5 técnicas de Alfred Hitchcock

5 técnicas de Alfred Hitchcock

El cineasta creo su propia marca reconocible, a través de cameos, introducciones televisivas y su astuta manipulación de la prensa. - ENFILME.COM

La audiencia no está obligada a ver tu película. Por lo tanto, antes de finalizar el guion, la lista de tomas o la edición, haz todo lo posible para que sea fácil para ellos seguir mirando. Es común que los principiantes se vean atrapados en las metáforas, la psicología del personaje y el simbolismo, esas cosas que los maestros de arte de la escuela secundaria pedían. Sí, la complejidad intelectual hace una buena historia, y un buen arte. Pero esas cosas no mantendrán a tus espectadores comprometidos. Los cineastas nunca deben permitir que la alta complacencia se interponga en el buen espectáculo. Alfred Hitchcock en su mejor momento encontró el equilibrio perfecto entre los dos.

Con Hitchcock, su objetivo principal era hacer las cosas lo más fáciles de entender para la audiencia. Él eliminó toda imprecisión. De esa manera, una vez que te tuviera, podría hacer que el suspenso fuera aún más fuerte. En el canal de YouTube, Hitch20, se han estudiado las 20 obras de televisión de Hitchcock, y aquí hay algunas técnicas que han pasado a primer plano en dicha investigación. El uso de estas tácticas en sus películas seguramente contribuirá a una mejor experiencia para tu audiencia

Presencia del narrador

Algunas bromas solo funcionan cuando te las cuenta cierto comediante. Se trata de la actitud, el tono y la personalidad que la gente compra antes de que comience la broma. Lo mismo funciona para la película. Si el espectador no siente la actitud del director detrás de la cámara, es posible que no capten la película. En su nivel básico, una película es como un cuento de campamento contado por un cuentista experto. Al crear una fuerte presencia de narración, su película podría evitar caerse. Hitchcock hizo esto creando su propia marca reconocible como un director, a través de sus cameos, sus introducciones televisivas y su astuta manipulación de la prensa. Desarrolló su personalidad tan bien que es imposible evitar sentir su mano narradora detrás de cada movimiento de la cámara.

Guardar secretos

Una vez que te des cuenta de este próximo truco, comenzarás a verlo en algunas de tus películas favoritas. Haz que tu audiencia se involucre temprano en un secreto que solo un personaje conoce. Si se revela este secreto, todo se pierde y la historia terminará. Luego, engaña a la audiencia configurando situaciones donde ese secreto casi salga, pero no lo haga. Los otros personajes están irremediablemente en el desconocimiento, pero podrían tropezar con el secreto por accidente. Esto permite que la ansiedad del héroe genere tensión cada vez que están a punto de ser atrapados.

Centrarse en la simplicidad

No lo malinterpretes. No estamos diciendo que tu película no tenga complejidad intelectual, pero el enfoque de la narrativa (las cosas en las que se enfoca tu cámara) debe ser pequeña, trivial y simple. Tu escena podría tratarse de una pelea épica de amantes, pero deberían pelear por las llaves del auto o el control remoto de la TV. Al vincular tu historia épica con objetos triviales, tu cámara podrá realizar el trabajo dramático y hará que la historia sea más divertida de seguir. Después de todo, ¿a quién le importa un par de peleas? Pero cuando objeto faltante es el objeto de discusión, ¡eso es contar historias! A Hitchcock le gustaba centrarse simplemente en los ojos, las manos y los pies. Los ojos miran algo, los pies muestran confianza en un entorno (o falta de ellos), las manos se agarran a un objeto importante. Esta simplicidad visual hace que sea mucho más fácil para el público seguir la lógica del personaje.

Sentido de conciencia

Hay muchas maneras de entrar en la mente de un personaje, pero una que a menudo se pasa por alto es un sentido de conciencia en la narración. Permite que el público escuche los pensamientos del héroe en una voz en off en tiempo real durante la acción de la escena. Hicieron esto mucho en Seinfeld con un gran efecto cómico. El hecho de que podamos escuchar los pensamientos de Elaine nos permite compartir un momento personal: De la misma manera, estamos apegados a cada pensamiento de Joseph Cotton porque está paralizado y no tiene forma de indicar a sus rescatadores que todavía está vivo-

Espacio dramático

La tendencia actual es usar un encuadre fragmentado, cámara inestable y edición rápida. Si bien esto puede mejorar la tensión si se usa inteligentemente, es una forma perezosa de imponer tensión de forma sintética a una escena que aún no está allí, y puede fatigar a tu audiencia si se usa en exceso. Mezcla estratégicamente esto en algunas tomas largas. El uso de tomas largas puede mantener la tensión inherente a la escena y permite que el espacio configurado se convierta en un dispositivo de tensión. Incluso ajustar la distancia de la cámara a los actores puede manipular la intensidad de una sola vez:

El espacio dramático permite que dos fuerzas opuestas interactúen dentro de un solo encuadre (a menudo en primer plano frente al fondo). Escenas de seguimiento a lo largo de un espacio pueden mejorar una reacción emocional. En Lamb to the Slaughter, Hitchcock encontró formas inteligentes de generar tensión en el espacio de un conjunto de tres habitaciones simples ya sea que esté haciendo un thriller, un drama o incluso una comedia, las técnicas de Hitchcock pueden atraer a su audiencia a la historia más rápidamente y aferrarse a su atención por más tiempo.

TOMADO DE LA RED historia y relatos de personajes famosos